Para un trabajo de Arte y Comunicación se realizó dos reels siguiendo el formato de Crítica o comentario a piezas o exposiciones artísticas. Frente a esta decisión, creé una serie de videos acerca de dos exposiciones que actualmente están ubicadas en el MAMU (Museo de Arte Miguel Urrutia), una sobre las obras de Francis Alys y otra llamada Digna Rabia.
Videos:
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Para la clase de Arte y Comunicación dentro de la Universidad de Los Andes, se requería realizar un fanzine de manera individual de un tema libre. Precisamente, quise plasmar la nostalgia y el amor que se activa al bailar y al recordar momentos en que las personas bailan salsa con otras personas.
Se implementa una colorimetría cálida predominante en la que protagonizan los colores amarillo, naranja y rojo que evocan sentimientos como la alegría y el amor que se activan al momento de bailar, conectar y compartir con personas que queremos debido a la liberación de endorfinas y a que el estrés se reduce considerablemente. La conexión social y los estímulos sensoriales permiten a las personas guardar con cierta emoción momentos como estos. Precisamente, al recordar momentos que nos conectan con los demás a través del baile trae a la mente, cuerpo y corazón las gratas emociones de dichos momente. El no poder vivir tal cual esa experiencia nuevamente trae la nostalgia y trsiteza que se contrastan a través de colores azules sutiles y un filtro suave ene las imágenes.
Para la elaboración de este Fanzine me reuní con mis amigos para ir a bailar salsa en unn bar llamado El goce pagano, aquí todos disfrutamos y nos divertimos bastnte. Pero, al momento de ponerme a crear a partir de los registros y de las emociones que quedé tras ese encuentro, me encontré con una nostalgía que recordé con amor al haber disfrutado de un tiempo grato con ellos, lo que justamente me llevó a querer plasmar mis emociones y recuerdos allí.
Al fin y al cabo, dentro de cada persona está la elección de cómo recordar situaciones que estuvieron llenas de alegrías, pero por ciertas razónes, no se puede vivir de nuevo. La decisión de evocar recuerdos con este género musical puede llamar la nostalgia y el amor, en varios casos, más una que la otra.
Las redes sociales son un medio en la que el contenido de belleza y crecimiento personal prima haciendo presencia en todo lado. No es imposible imaginar que las personas se vean influenciadas por este nicho debido al marketing que emplean con frases como "es necesario que cambies tu pasado y te renueves para tener un glow up", "why not you", "si no cambias ni mejoras, entonces eres un mediocre", "el cambio es algo exclusivo que logran pocas personas, solo el 1% de las mujeres", "sé una mujer de alto valor", y muchas otras frases. Todo esto se ha convertido una especie de mercado en las que el valor de las personas se comienza a medir frente a su productividad, si bien ya era algo que se veía años atrás con nuestros abuelos y padres que querían estar trabajando 24/7, en la actualidad se mide como si fuera una gerarquía dependiendo de cuanto te cuidas estética y personalmente.
Se ha creado una cadena de rango en la que si ya leíste hábitos atómicos, haz tomado uno o dos cursos de crecimiento personal y vas al gimnasio, por consecuencia y gerarquía tienes más importancia sobre aquel que no lo hace. Se a construido una demanda para seguir los estereotipos de belleza y tener un "glow up" que las personas deberían de tener según los videos publicados en redes sociales con gran difusión como TikTok, Instagram o Youtube. Los usuarios que tienen cuentas en estos medios aparentan demasiadas cosas, lo cual genera una comparación irremediable por parte de los espectadores. Esto, a su vez trae consigo un montón de consecuencias, siendo la búsqueda por encajar con un canon de belleza la que desencadena más problemáticas entre todas las vertientes.
La necesidad del humano por pertenecer es escencial, ese deseo de encajar con el canon estético genera insatisfacción con su cuerpo, lo que puede conllevar a la depresión o ansiedad. Según el estudio de Giulia Fioravant et. al.:
Ver imágenes en redes sociales que muestran ideales de belleza inalcanzables lleva a los jóvenes a sentirse insatisfechos con sus cuerpos, y el procesamiento de la comparación de la apariencia juega un papel importante.
Precisamente, esa comparación es posible gracias a que vivimos en una realidad mediada por las tecnologías, en la que hay una necesidad de vender visualmente a costa de lo que sea. Esto se inmiscuye en las redes sociales para afectar la vida de las personas para generar una cadena en la que la audiencia tras compararse y sentirse mal consigo mismx, para que luego proceda a buscar algo de "crecimiento personal" para creer que es "mejor persona" cuando no es verdad. De hecho, yo no estoy excenta de esta influencia, caí en esta propaganda y cuando me di cuenta ya mi mentalidad había cambiado.
Justamente, con esta multimedia creada en el programa REAPER quise transmitir dos estados en los que me encontré: uno en el que quería cambiar mi desastroso presente para construir un futuro con el que sueño, el llegar a tener ambición e ir por lo que anhelo de forma intensa; el otro, es un estado en el que me encuentro cansada y aturdida debido al contenido de crecimiento personal que consumo prácticamente a diario. El hecho de que sean polaridades no quiere decir que tenga una sola postura, por el contrario me hallo en un punto en la que ambos aspectos son parte de mí a pesar de que a veces me hayo más inclinada por alguno.
A lo largo de la multimedia se reproducen varios tipos de sonidos a la vez, algunos de ellos aparecen con gran intensidad para imitar la saturación de información que me saturan la mente. En un intento por ordenar mis pensamientos, simplemente los diferentes pensamientos se cruzan y se encuentran para aturdir mi mente en la que mi alrededor me influye para llegar a aturdirme por la influencia externa.
Se emplearon diferentes audios seleccionados específicamente para lograr transmitir los dos elementos, desde canciones, un video de crecimiento personal, hasta mi propia voz. Las canciones elegidas para el fondo fueron Mrs. Potato Head de Melanie Martinez y Burn It de Agust D. La primera es una obra video-musical que trata sobre cómo la belleza es fundamental para la humanidad en la que "la belleza duele" porque "nadie te amará si no eres atractivo", Melanie aquí realiza una crítica mordaz a la presión social por alcanzar estándares de belleza irreales mediante la cirugía plástica. Se agregaron partes con llantos y de la canción para transmitir la tristeza e impotencia ante la imposibilidad de cumplir con lo que la sociedad comprende como hermoso, y a la vez esa imposición de belleza que no se puede cambiar.
Por el lado de Burn It, decidí emplearla de dos aspectos: la canción completa de fondo para dar una sensación sonora inquietante y un verso traducido grabado con mi voz. Personalmente, mi vida ha estado ligada con la cultura oriental desde que era una niña y esta canción la sumé dado que Suga junto al grupo al que pertenece -BTS- ha sido un apoyo para mí para momentos de introspección y mejora personal. Particularmente, el artista en esta canción usa la metáfora del fuego para representar la necesidad de quemar el pasado y las partes de uno mismo que ya no son necesarias o deseables, para así, poder avanzar y renacer de las cenizas. Además, aquí se habla de enfrentar y superar los aspectos negativos de uno mismo y de la vida, y de la importancia de tomar decisiones y asumir la responsabilidad de esas elecciones.
Un momento en que se quiere mostrar esa intención de superación personal en la composición sonora es a través de las grabaciones de mi voz, una de ellas es un segmento de la canción de Agust D que está traducida del coreano al español:
Prenderle fuego, prenderle fuego. No importa qué, sí, prende fuego, bastardo. El pasado tu, el presente tu. Todo está bien, así que prendele fuego, bastardo. Si se convertiría en el Sol abrasador. O cenizas que quedan. En cualquier momento, la elección y decisión es tuya. Espero que no olvides que rendirte decisivamente también cuenta como coraje.
Y por parte del otro audio con mi voz, se transmite un mensaje personal... aquí relaciono la canción dado que reflejan dos terminos escenciales que los hago más evidentes con la repetición: el cambio y el coraje. El cambio es algo que se hace o algo que no se hace, al fin de cuentas implica valentía para renunciar a todo o para dejar las cosas atrás y cambiar definitivamente. Cualquiera elección requiere este coraje, esa impetuosa decisión y esfuerzo del ánimo. Este mensaje, se hace más claro con el mensaje de voz que expreso:
Muchas veces me digo a mi misma: es quedarte aquí o cambiar, cambiar o quedarte aquí. Realmente, nunca sé con certeza qué es lo mejor para mí porque mi cerebro por un lado me dice "quedate aquí, no tienes porqué avanzar, no tienes porqué cambiar. Quedate aquí, es comodo estar aquí, es comodo estar aquí ¿por qué vas a cambiar? no es necesario cambiar ¿porqué lo harías?" Pero ahí está la chispa, la energía, el cambio. Es tu elección tanto si quedarte en la comodidad como cambiar, ambas cosas son tu elección. Te destruyes o te mandas tu mismo a la basura, te quedas como una mierda o cambias y triunfas. Es una de las dos, no las dos. Y ese es el cambio que tienes que entender... Entender eso y accionar por eso es el verdadero cambio.
El otro elemento que se emplea para la composición sonora son segmentos del vídeo Confidence and delusion is all you need de la youtuber e influencer Thewizardliz. Ella es una influencer que sigo desde hace años y ha transformado mi vida para crecer como persona. Los segmentos que se emplean hacen referencia a que "hay un solo tipo de persona que triunfará en la vida" y son aquellas que toman acción y tienen los "cojones" para hacer las cosas y triunfar en la vida.
En suma, hay transiciones de algo saturado y casi diabólico a momentos tranquilos y angelicales para hacer evidentes los estados mentales en los que me ubico, un momento con tranquilidad y otro lleno de caos. También, se emplea esta transición de estética sonora para reflejar dos facetas en que la belleza al igual que el crecimiento personal afectan el mundo y a la artista: por un lado, la idea de ser hermosos que se muestra con lados "idealizados o angelicales"; y el otro, es esa faceta que no se comenta a menudo, que el propósito de este tipo de contenido es mercantil, lo que llevan a las personas a crisis de todo tipo. Todos los efectos empleados en REAPER eran nuevos para mí y me dediqué a explorar varios de ellos; los elementos creados, usados y modificados fueron pensados para mostrar algunos de los posibles lados túrbidos que no se hablan generalmente del crecimiento personal y de los estandares de la belleza, se escucha una dualidad entre la luz y la oscuridad.
BIBLIOGRAFÍA
Agust D. (2020). Burn It (feat. MAX) [Canción]. En D-2.
Fioravanti, G., Benucci, S., Ceragioli, G., & Casale, S. (2022). How the Exposure to Beauty Ideals on Social Networking Sites Influences Body Image: A Systematic Review of Experimental Studies. Adolescent Research Review, 1-40. https://doi.org/10.1007/s40894-022-00179-4.
Martinez, M. (2015). Mrs. Potato Head [Canción]. En Cry Baby.
Thewizardliz. (2021). Confidence and delusion is all you need [Video]. YouTube.
Sin duda, la llegada del Covid-19 cambió el mundo y consigo la cotidianidad de las personas. En el caso de mi núcleo familiar, mi padre y mi madre -que eran el sustento económico del hogar- quedaron desempleados por la situación. Mi mamá laboraba como estilista, comenzó a trabajar a domicilio. Por su parte, mi papá que trabajó desde los 18 años en las cadenas de restaurantes, con la llegada de la pandemia le dieron una licencia no remunerada. Pasaba el tiempo y los ahorros se iban acabando, la falta de dinero se hizo notar al segundo mes. En este punto, a Franklin -mi padre- le ofrecieron la opción de trabajar vendiendo huevos, y era aventarse a esto o quedarse en su zona de confort.
Dicho cambio fue una realidad que llegó para quedarse y continuar en la actualidad, aún seguimos con este negocio y lo queremos promocionar de manera más formal para que las personas del sector en el que lo vendemos sepan a donde llamar, solicitar domicilios, o en general que los demás conozcan nuestros productos. Precisamente, yo he apoyado desde la creación gráfica para promocionar la empresa de mi padre y las imágenes que se adjuntan es en lo que he estado trabajando de a poco para próximamente imprimir y compartir.
Por el momento, he creado: el logo, las tarjetas de presentación, diseños/bocetos para totebags, ilustraciones, ilustraciones con el número y código de pago, una carta con los productos, y anuncios para estados de WhatsApp. Algunos no están elaborados de la mejor manera dado que es un proyecto andante que se va construyendo de a poco, pero estos son algunos de los resultados del proceso.
Para la clase de introducción al patrimonio dentro de la Universidad de Los Andes, se requería realizar un proyecto final en el contexto del parque Santander en Bogotá. Precisamente, se eligió realizar un texto curatorial y una actividad en la que involucrara la participación activa de estudiantes para la creación de una composición visual por medio de grabados creados por Sara Pardo, Mariana Luque y Angie Aristizabal.
TEXTO CURATORIAL
El patrimonio del detalle
Caminar por la famosa séptima de Bogotá, es sin duda sumergirse en una gran variedad de elementos que la constituyen y la hacen ser lo que es. Es abrirse paso entre la diversidad de transeúntes, bicicletas, venderos de frutas colombianas, indígenas que exponen su arte a cielo abierto y un catálogo de edificios de diferentes épocas. Es así como las artistas de esta obra llegan al parque Santander, pero fijando su atención en algo pequeño, algo que suele pasar desapercibido: las ornamentaciones metálicas.
El Parque Santander es un espacio histórico de Bogotá. Este lugar, que en la época colonial fue conocido como Plaza de las Hierbas, funcionó durante siglos como un centro de intercambio comercial y social desde tiempos anteriores a la conquista española. Con el paso del tiempo, el lugar se transformó en parque urbano y se convirtió en un punto neurálgico del centro de la ciudad, rodeado de iglesias coloniales, instituciones financieras y edificios emblemáticos de la modernización urbana.
A través de una serie de sellos (grabados en linóleo), de los cuales el público puede hacer uso, las artistas reproducen fragmentos de las ornamentaciones metálicas de estas estructuras, proponiendo una lectura del patrimonio material desde el detalle. La obra, entonces, convierte la ornamentación en una forma de lectura histórica: un lenguaje material que permite comprender cómo Bogotá ha construido su identidad a través de sus edificios, sus estilos y sus transformaciones urbanas.
Las artistas decidieron trabajar con tres edificaciones que les permite construir una narrativa sobre la evolución del parque: La iglesia de la Orden Tercera, el Edificio del Jockey Club y el Edificio Avianca; añadiendo un plus: el detalle de una ornamentación que ya no existe y que en su momento (1920) era la puerta del parque.
Aspecto histórico
Un evento que marcó significativamente a Colombia fue el Bogotazo, un evento clave para comprender los cambios frente a la estética y función de las rejas y forjas en el parque Santander. El 9 de abril de 1948 tras el asesinato del líder liberal Jorge Eliécer Gaitán, se desencadenó una explosión de violencia urbana en el centro de la ciudad: hubo incendios, saqueos, destrucciones de varios edificios, enfrentamientos entre los ciudadanos, etc.
El parque Santander funciona entonces como un híbrido de temporalidades diferentes. Antes del Bogotazo, las rejas tenían una función ornamental y simbólica, representaban un estatus social y estética urbana en la que predominaban los diseños elaborados con volutas y motivos vegetales. Después de este evento histórico, las rejas se emplearon de forma más “defensiva” para reforzar bancos, comercios o edificios públicos, estos diseños tenían un carácter más pesado y funcional.
Gran parte del centro histórico presentó cambios por lo afectado que se vió. Varios edificios coloniales y republicanos se destruyeron o remodelaron, justamente lo que trajo consigo fue una arquitectura moderna llena de materiales industriales que se reflejaban en las nuevas formas de creación y protección de los edificios. Si bien, antes del Bogotazo las rejas cumplían una función de decoración ornamental y simbólica, la creación de las rejas era con un propósito comunicativo claro: la ornamentación podría reflejar el estatus (como el Jockey Club) o un aspecto cultural-religioso (como la Iglesia La Tercera).
La obra en formato de sello no gratuita. Al reproducir estos ornamentos mediante sellos, la pieza transforma estos elementos patrimoniales en signos que pueden circular, repetirse y resignificarse. De esta manera cada sello funciona como un archivo portátil de la ciudad, una herramienta que permite trasladar al papel los rastros materiales la historia del parque y que el espectador podrá llevar consigo.
La obra propone así una forma alternativa de leer el patrimonio: no desde los monumentos aislados, sino desde los detalles que estructuran el paisaje urbano. Una obra que revela que los detalles pueden sostener la memoria colectiva en lo cotidiano de la ciudad. Una obra para no olvidar que los detalles, también nos hablan de quienes somos.
Guía para la investigación
Cómo las rejas con ornamentación y su relación con la arquitectura hablan del patrimonio cultural material inmueble frente a una temporalidad y funcionalidad diferente en el Parque Santander.
Sobre las construcciones y su ornamentación
Iglesia de la Orden Tercera
Construida entre 1761 y 1780 por la comunidad franciscana, esta iglesia pertenece al
periodo colonial tardío de la antigua Santafé, cuando la ciudad era un centro religioso del Virreinato de la Nueva Granada. Su arquitectura y sus elementos ornamentales reflejan el papel central de la Iglesia en la organización social y simbólica del espacio urbano. Las rejas y ornamentos metálicos delimitan lo sagrado de lo público, funcionando no solo como decoración sino como un lenguaje espiritual y ritual propio de la época colonial.
Edificio Jockey Club
Construido entre 1936 y 1939 y diseñado por el arquitecto Gabriel Serrano, el edificio
representa el periodo republicano en Bogotá y la consolidación de espacios sociales para las élites urbanas. Su arquitectura incorpora elementos ornamentales elaborados que reflejan la influencia de modelos europeos y el deseo de proyectar modernidad y prestigio cultural. Las curvas y detalles de su forja metálica evidencian una época en la que la ornamentación era también un símbolo de estatus y representación social.
Edificio Avianca
Inaugurado en 1969, el edificio Avianca simboliza la modernización urbana de Bogotá durante la segunda mitad del siglo XX. Surgido en un contexto de reconstrucción y crecimiento económico tras las transformaciones del centro de la ciudad, su arquitectura adopta el estilo internacional caracterizado por líneas rectas y mínima ornamentación. Este cambio estético refleja una transición hacia una arquitectura funcional y tecnológica, donde la verticalidad y la eficiencia sustituyen la ornamentación tradicional
¿Por qué linóleo para conservar la memoria de la forja?
El uso del linóleo para representar el trabajo de la forja en la Plaza Santander responde a una intención material y conceptual. Al igual que la forja, el grabado en linóleo es un proceso manual donde la imagen surge del gesto de la mano que talla y deja huella sobre la superficie. Por eso la técnica no solo representa el oficio, sino que también lo evoca desde su propio proceso.
Además, el linóleo permite reproducir la imagen, haciendo posible que el trabajo perdure y trascienda en el tiempo. La composición se organiza a partir de tres ejes del lugar: la Iglesia de la Veracruz, el Jockey Club de Bogotá y el Edificio Avianca, que sitúan la escena dentro de la memoria arquitectónica de la plaza. Así, la técnica manual dialoga con la historia del espacio y con la idea de construir una imagen que permanezca.
Cuando estampamos, algo cambia. La tinta, la presión, el papel húmedo, el linóleo tallado con paciencia, y otros aspectos hablan del tiempo real, de decisiones que no se pueden deshacer, nos hace conscientes de la belleza de lo imperfecto. Más en esta era de la edición infinita y el ctrl+Z, tallar en linóleo nos recuerda que algunos procesos no se pueden deshacer de manera inmediara. Y eso, lejos de ser una limitación, es una forma de libertad y de recolección con lo manual. Lo que se realiza con las manos de forma artesanal, trasciende en su historia, su contexto, en quien, y para que realizado hecho, en que tiempo y lo más valioso sus errores que lo vuelven único.
A continuación, imágenes con las planchas de linóleo y algunos grabados realizados:
